Arte en Valladolid: Mujeres barbudas, enanos y bufones en la pintura española. Por Juliana Gómez

sábado, 17 de abril de 2021

Mujeres barbudas, enanos y bufones en la pintura española. Por Juliana Gómez

Enanos, gigantes, bufones, locos, bobos, seres deformes, enfermos y negros; prodigios, monstruos, maravillas, fenómenos de la naturaleza que son retratados en el Barroco en sintonía con el afán de este estilo en captar lo cotidiano y real, lo feo y lo bello.

La tradición de los soberanos españoles de ser acompañados por esta clase de seres se remonta por lo menos hasta el siglo XIII, con Sancho IV y su enano García Yáñez. Sin embargo, se da un auge en época del Renacimiento y se llega al culmen durante los siglos XVI y XVII. Es un fenómeno europeo, pues ninguna de todas las cortes queda exenta de estos acólitos. No solo se deja constancia en las manifestaciones artísticas, ya sea pintura o literatura, sino también en las ciencias naturales. Son innumerables los ejemplos de frivolidad decadente. Especialmente es de mi agrado el enano Morgante de Cosme I duque de Florencia llevado a la escultura a manos de Valerio Cioli, y que adorna los Jardines Boboli del Palacio Pitti en forma de una fuente llamada la Fontana del Bacchino (1560). Asimismo, en un viaje a Rusia pude visitar la Kunstkamera de Pedro el Grande, en la que el monarca tenia depositado el esqueleto de su amigo el gigante Nicolay entre otras muchas maravillas.

VALERIO CIOLI. Fontana del Bacchino (1560). Palazzo Pitti-Jardín de Bóboli, Florencia

La época de mayor auge de este fenómeno acaece durante el reinado de los Austrias, pero sobretodo con los denominados Austrias Menores, distinción condicionada por la supremacía de poder en sus gobiernos, pues éstos últimos delegaban en validos. Sin embargo, Felipe II y su padre también tuvieron, es famoso el enano Estanis de Carlos V, regalo de Segismundo de Polonia. Moreno Villa cuenta 123 seres de palacio documentados entre mediados del siglo XVI y el comienzo del siglo XVIII. Quizás fruto de una renovada moralidad y estética, con los Borbones se termina la costumbre de los enanos y de los locos, aunque no de los negros. España en estos momentos se insertará en una dinámica más dramática y sombría.

Las funciones de estas “gentes de placer” fueron muy variadas. Las principales solían ser las de entretener, animar y acompañar tanto en la vida privada, como en los viajes y en las celebraciones públicas. En realidad parecen encajar en la intimidad pomposa y protocolaria de palacio. También cuidaban a los infantes, servían de mensajeros, podían llegar a tener algún puesto de cámara, actuar como embajadores visitando cortes e incluso, alcanzar a ser secretarios del monarca. Muchas veces, y sobre todo a los enanos por su condición de baja estatura, se les comparaba con animales, como perros o gallinas, pero también con otros más exóticos como los monos. Ambos, monos y enanos, y el resto de hombres de placer estaban limpios, bien presentados y ricamente vestidos con telas lujosas. Se trataba de una vía de escape para estos seres humanos, que en las calles serían marginados y más desavenidos, y aquí, a pesar de todo, tienen la oportunidad de ser cuidados y pagados de diferentes maneras, ya sea con raciones de cera, de panes o los más afortunados con algunas monedas. Pese a que arriban en la corte con el objetivo de entretener, es indudable que en algunos casos llegan a alcanzar el cariño y el reconocimiento de sus amos, como atestiguan las cartas que en los viajes Felipe II escribía a sus hijas donde mencionaba a Magdalena Ruiz. Esta enana aparece con doña Isabel clara Eugenia retratada en un cuadro del Prado a manos de Alonso Sánchez Coello (1531/1532-1588), y fue regalada por su tía doña Juana.

ALONSO SÁNCHEZ COELLO. La infanta Isabel Clara Eugenia y Magdalena Ruiz (1585-1588). Museo del Prado, Madrid

La razón de esta frivolidad la tenemos que buscar en uno de los aspectos más inherentes del ser humano que es la curiosidad y el morbo. Sentimos atracción por aquello desconocido o fuera de lo común, por lo diferente y extraño. Fueron personas tratadas como mercancía, un objeto exótico y fascinante que coleccionar al estilo de las wunderkammer. A esto hay que unirle el poder que ofrece el dinero y la condición social, y, por tanto, el afán de transmitir una imagen superior y perfecta, por eso también formaban parte de las casas aristocráticas y nobles. En definitiva, sirven para delatar la elevada posición social de sus amos, como en las pinturas La prudente Abigail de Lucas Giordano, o en Moisés salvado de las aguas de Veronés.

El retrato había sido considerado siempre una pintura digna y solemne propia de gente ilustre y poderosa. Sebastián de Covarrubias en su Tesoro de la Lengua Castellana (1611) lo define como “la figura contrahecha de alguna persona principal y de cuenta, cuya efigie y semejanza es justo quede por memoria a los siglos venideros”. Sin embargo, la incipiente burguesía de las urbes europeas hizo que el retrato poco a poco se trasladase a todo tipo de gentes y oficios, en sintonía con la pintura de género. En España fueron muchos los pintores que retrataron a estas gentes de placer, tales como Antonio Moro (1519-1576), Alonso Sánchez Coello (1531/1532-1588), Gaspar de Crayer (1582-1669), Rodrigo de Villandrando (1588-1622), José de Ribera (1591-1652), Juan van der Hamen (1596-1631), Velázquez (1599-1660), Carreño de Miranda (1614-1685) o Claudio Coello (1642-1693).

DIEGO VELÁZQUEZ. Las Meninas (1656). Museo del Prado, Madrid. Detalle de Maribárbola y Nicolasito Pertusato

Para realizar este trabajo nos vamos a centrar en las pinturas del reinado de Felipe IV (1621-1665), ya que se asiste a un verdadero cambio en la concepción de las pinturas. La mayoría de los bufones de la corte eran personas con enanismo, esta condición hacía que no despertaran miedo, caían simpáticos y eran más fáciles de malear, aunque algunos también eran maliciosos. De entre estos, la variedad más abundante son los acondroplásicos, cuyos huesos largos no crecen, tienen una frente alargada y una nariz chata. Quizás los enanos más celebres de Felipe IV sean Simón Bonamí, Maribárbola y Nicolasito Pertusato, estos dos últimos aparecen en las Meninas.

RODRIGO DE VILLANDRANDO. El príncipe Felipe y el enano Miguel Soplillo (ca. 1620). Museo del Prado, Madrid

Lo más frecuente es encontrar a las personas poderosas junto con sus enanos, en un juego de contrastes y opuestos, resaltándose uno a otro, como es el caso de la pintura El príncipe Felipe y el enano Miguel Soplillo (Rodrigo de Villandrando, 1620) –procedía de Flandes y era un regalo de la infanta Isabel Clara Eugenia– o la de El príncipe Baltasar Carlos con un enano (Diego Velázquez, 1631). En la última, pese a que el joven príncipe tan solo tiene 3 años viste como un general que sujeta con su mano diestra un bastón de mano. El enano, de edad mucho más avanzada, pero de la misma estatura, lleva consigo un sonajero y una manzana. Es un retrato solemne de fondo oscuro, en sintonía con otros retratos de la centuria anterior a manos de Antonio Moro y Sánchez Coello. Se trata de una fórmula prefijada que consolida una jerarquía. Sin embargo, poco a poco asistimos a una individualización de los personajes menos favorecidos en sintonía con la ruptura clásica de los códigos de belleza que se produce en el Barroco. Se trata de dejar constancia de una realidad inmediata y diaria. Así aparecen con valor por si solos, algo que delata la fuerza expresiva de su mirada. Un ejemplo sería el Retrato de enano, (atribuido a Juan van der Hamen, ca 1626) que formó parte de la colección del marqués de Leganés, primo del conde-duque de Olivares, probablemente amo del enano. Se halla en un primer plano, detrás un fondo indefinido en el que se proyecta su sombra, dando así una impresión de mayor monumentalidad y dignidad.

DIEGO VELÁZQUEZ. El príncipe Baltasar Carlos con un enano (1631). Museo de Bellas Artes, Bostón

JUAN VAN DER HAMEN. Retrato de enano (ca. 1626). Museo del Prado, Madrid

Se abre así una senda seguida por Velázquez. En este sentido es importante un ciclo que realiza para el pabellón de caza, la Torre de la Parada, en 1644. Normalmente estos cuadros se van a ubicar en espacios secundarios de villas y palacios. Aparecen célebres gentes de placer, entre ellos El bufón el Primo (ca. 1645) y el Niño de Vallecas (1635). En algunas ocasiones es difícil determinar quién es el enano retratado, como en el primer caso, que tradicionalmente se ha creído era Sebastián de Morra. El segundo es Francisco Lezcano, al servicio de Baltasar Carlos hasta que muriera. La pintura del Primo es especial por su riqueza de colores, el rojo tiene gran fuerza expresiva que completa la mirada directa del enano. Pese a que mira con rotundidad, se puede apreciar una amargura que Velázquez es capaz de transmitir, haciendo verdaderamente un retrato psicológico. Se advierte una solidaridad en el pintor al no querer hacer una pintura desencarnada ni satírica, simplemente es un ser humano retratado con fidelidad y carga emocional. Por eso en muchas ocasiones se ha dicho que el pintor puede romper las reglas establecidas para los retratos de la corte y pintar con libertad, pudiendo así ensayar con nuevas recetas.

DIEGO VELÁZQUEZ. El bufón el Primo (ca. 1645). Museo del Prado, Madrid

DIEGO VELÁZQUEZ. El Niño de Vallecas (1635). Museo del Prado, Madrid

Retrato del mal supuesto Don Antonio el Inglés es una pintura problemática por cuanto se desconoce la identidad del retratado así como su autoría. Ha sido atribuida a Velázquez, a Juan Carreño de Miranda y a Juan Bautista Martínez del Mazo. En cualquier caso sigue la estela de los retratos anteriores: el enano aparece con un perro pero con más dignidad y una mirada altiva, quizás triste, alejándose del Enano del cardenal Granvela (Antonio Moro, 1560) pues, entre otras cosas, la proporción con respecto al perro es diferente. En el ciclo anteriormente citado también aparece el Bufón con libros, tradicionalmente se ha dicho que podría ser el enano el Primo, Diego de Acedo. Lo importante de esta pintura es que evidencia aquello que ya hemos mencionado, que en ocasiones podían conseguir puestos de notable valor.

ANTONIO MORO. Enano del cardenal Granvela (ca. 1560). Museo del Louvre, París

ANÓNIMO MADRILEÑO. Retrato del mal supuesto Don Antonio el Inglés / Enano con perro (ca. 1650). Museo del Prado, Madrid

DIEGO VELÁZQUEZ. Bufón con libros (ca. 1640). Museo del Prado, Madrid

Los bufones son otras figuras existentes en los palacios dentro de estas gentes de placer. Se caracterizan por tener una inteligencia viva e ingeniosa que les servía para realizar gracias y chistes. Vienen a ser la figura del juglar de la Edad Media, o de los comediantes de la Antigüedad Clásica. Esa función también la comparten los locos, fingidos o reales y los bobos. El bobo tiene una presencia más sumisa, inocente y sonriente. Por eso en ocasiones es difícil de clasificarlos correctamente. Los ejemplos también son muchos como Pablo de Valladolid, Francisco de Bazán o Perejón. Pero nos quedamos con la pintura del Bufón Calabacillas. Tradicionalmente llamado el Bobo de Coria, se trata de Juan de Calabazas, desde 1632 en la corte de Felipe IV. El pintor analiza y plasma los síntomas de retraso mental o cretinismo así como un acusado estrabismo. Su técnica alla prima hace que sean frecuentes los arrepentimientos es sus obras, en este caso la calabaza de la derecha o en pelo. Las pincelas sueltas y rápidas hacen que sea un estupendo cuadro.

DIEGO VELÁZQUEZ. El bufón Calabacillas (ca. 1637-1639). Museo del Prado, Madrid

DIEGO VELÁZQUEZ. Pablo de Valladolid (ca. 1632-1637). Museo del Prado

JUAN CARREÑO DE MIRANDA. El bufón Francisco Bazán (ca. 1680). Museo del Prado, Madrid

ANTONIO MORO. Perejón, bufón del conde de Benavente y del gran duque de Alba (ca. 1560). Museo del Prado, Madrid

A través de crónicas sabemos de monstruos celebres que recorrieron España e incluso Europa. Notorio es el caso de Eugenia Martínez Vallejo, alias “la Monstrua”, cuya pasiva presencia se da en la corte desde 1680. Retratada vestida y desnuda, comparándola con el mismo Baco, por Juan Carreño de Miranda.

JUAN CARREÑO DE MIRANDA. La Monstrua vestida (ca. 1680). Museo del Prado

JUAN CARREÑO DE MIRANDA. La Monstrua desnuda (ca. 1680). Museo del Prado, Madrid

Dentro de esta categoría podríamos añadir a las mujeres barbudas. En la actualidad han llegado dos retratos de mujeres con hirsutismo, pero se supo que hubo muchos más. El primero sería a manos de Sánchez Cotán, aparece firmado y fechado, además de identificada la retratada, Brígida del Rio, natural de Peñaranda de Duero. La segunda es de José de Ribera, Magdalena Ventura. Es un tema complejo porque más allá de lo extraordinario de la naturaleza encarnan un debate moral. Tradicionalmente el hombre cuenta con una serie de atributos que condicionan su carácter, como por ejemplo la lujuria. Estos mismos se le atribuyen a la mujer barbuda, que entonces era considerada una mala mujer, una bruja con condiciones demoniacas. En el primer retrato solo nos revela que es una mujer el hecho de llevar vestido; el segundo es más explícito y a la vez más dicotómico, pues aparece dando el pecho a su hijo y con su marido. Se juega con lo siniestro, pues al ser hombre se cambia su papel de la sociedad, pero no es hombre pese a que biológicamente esté en camino, es mujer pues sigue haciendo su función de amamantar. Ribera es consciente de esto, añade un caracol, animal hermafrodita. Es un retrato más desencarnado fiel al estilo de este pintor, que busca una respuesta en el espectadorL, como demuestra también en el Patizambo.