martes, 8 de noviembre de 2016

EXPOSICIÓN: JAPAN NOW! Yoshitomo Nara, Takashi Murakami & Factory


Entre las exposiciones que actualmente se encuentran “en cartelera” en las Salas Municipales de Exposiciones del Ayuntamiento de Valladolid sobresale por encima de todas la de la Sala de las Francesas: “Japan now! Una mirada hacia el arte japonés contemporáneo". Esta curiosa muestra se centra en las creaciones pictóricas y escultóricas más recientes del arte nipón, y más concretamente en la figura de uno de sus grandes creadores, Takashi Murakami, el cual ha creado una “Factory” a la manera de Andy Warhol. Los textos que se muestran a continuación proceden de los diferentes paneles que conforman la exposición:

Durante la mitad del siglo XIX, Japón rompió un largo periodo de aislamiento y empezó un profundo proceso de abertura y modernización a partir de modelos occidentales que implicará en todos los ámbitos de la sociedad japonesa y también en su arte. Igualmente, después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), y debido mayoritariamente a la sucesiva ocupación americana (1945-1952), el país experimentó una segunda ola de influencia occidental a la que numerosos artistas reaccionarán de maneras distintas.
Algunos se acercarán más a la tradición creando obras propiamente japonesas mientras que otros absorberán la influencia occidental adaptándola a sus intereses sin producir una copia de lo extranjero y creando siempre piezas innovadoras e intereses. A día de hoy gran parte de esta duplicidad, si bien haya evolucionado, sigue presente en el arte japonés. La contracultura “otaku” refleja claramente las influencias occidentales y su condición diferente, híbrida y corrupta, representa la paradoja de no poder encontrar ningún “japonismo” que no sea la cultura americana de la postguerra. Esta característica fusión de la tradición Nihonga con el manga, de la fantaciencia con el pop, de la cultura otaku con el diseño gráfico ha creado un híbrido que a los ojos del observador occidental emana proximidad y exotismo en partes iguales, enfatizando su calidad superficial.
Muchos artistas japoneses contemporáneos presentan sus trabajos en universos personales llenos de visiones extrañas, casi poéticas, obteniendo como resultado unos mundos oníricos y delicados. Presentamos en esta exposición a Takashi Murakami, Yoshitomo Nara, Chiho Aoshima, Aya Takano, Chinatsu Ban, Mahomi Kunikata, Mr. y Akane Koide. Todos ellos pertenecen a una generación cuya infancia y juventud estuvieron marcadas por el consumismo, la creciente influencia de los medios de comunicación y una referencia constante al universo imaginario del Manga y del Anime, de lo que estos jóvenes creadores se reconocen fanáticos y apasionados. Es importante remarcar esta influencia subcultura en el arte, como una liberación o escapatoria de las presiones de la sociedad japonesa, que antes que mostrarse como una respuesta al estado del mundo se convierten en una oportunidad para abrir las puertas a la imaginación y a lo extraño.

UNOS ARTISTAS CON UN IMAGINARIO FANTÁSTICO Y PERVERSO
A pesar del gran poder económico que ha proyectado al mundo la imagen de un país con tecnología punta, Japón vive desde hace unos años el pinchazo de la burbuja económica: el paro y la precariedad laboral han pasado a ser corrientes en la vida cotidiana de los japoneses y en las creaciones de los artistas. Esto, no obstante, en lugar de mostrarse como una constatación del estado del mundo, se convierte en una oportunidad para abrir la puerta a la imaginación y lo extraño. Así muchos artistas contemporáneos japoneses presentan un mundo personal lleno de visiones extrañas, casi poéticas, y se cuestionan la frontera entre visión y percepción, creando un mundo onírico y delicado.
Muchas obras de artistas contemporáneos se inscriben en esta esfera, destacando su lado subversivo y falsamente inocente: las muchachas en kimono de grandes ojos y gráciles cuerpos evocan tanto las estampas tradicionales japoneses como las chicas emancipadas que pululan por las calles de Tokio. En algún caso es un mundo onírico y sorprendente con colores ácidos generados por ordenador: un universo que se mueve a menudo entre la pesadilla y la angustia, y sus personajes dudan entre la magia y la violencia de la realidad. En otros casos la peculiaridad radica en la originalidad y el poder de sus imágenes de la cultura popular japonesa, las cuales se mueven en un terreno intermedio que va de lo más tradicional a lo más innovador.
Teniendo como punto de partida el arte Nihonga, un estilo pictórico en el que prima el uso de técnicas y materiales tradicionales japoneses nacido a finales del siglo XIX como reacción a la fuerte influencia de occidente en el país del sol naciente, muchos artistas llegan hasta realizar las figuras de colores planos provenientes del mundo del Manga (cómic, papel) y del Anime (dibujos animados), que tanto obsesionan a la sociedad japonesa.

TAKASHI MURAKAMI (Tokio, 1962)
Takashi Murakami ha decorado -metafóricamente- enormes cantidades de historias y experiencias, demostrando saber combinar de manera original la creatividad occidental y la tradición japonesa, plasmando en toda su producción artística el pasado con la cultura del presente. El universo fantástico de sus trabajos evoca a la condición mental de la sociedad japonesa, que ha superado inconscientemente el trauma bélico, desarrollando un lado infantil consumístico y oscuro, que recuerda al Pop de Warhol, aunque se aleje de la matriz densamente espiritual que caracteriza la poética de este autor. Sus esculturas y cuadros bien representan a una espiritualidad fantacientífica y metafórica que pertenece a nuestro presente en el que el mal se esconde de forma sutil en la melancolía de sus personajes.

Nacido en Tokio en 1962, se licencia en Nihonga, pintura japonesa tradicional, en la Tokio National University of Finte Art and Music, en Japón. En 1990, todavía estudiante, abandona el estilo japonés tradicional y empieza la experimentación en otros ámbitos, sin olvidar la tradición de la pintura japonesa. Su poética se centra en torno al concepto de Superflat (superplano), término utilizado para describir a la falta de profundidad prospectiva de la obra de Katsushika Hokusai y más en general de la representación del espacio en la pintura oriental. Su arte se caracteriza por su empleo del color, incorporación de adornos de la cultura japonesa tradicional y popular, superficies planas/brillantes y un contenido que podría ser descrito como "lindo", "psicodélico" o "satírico". Entre sus adornos más famosos están flores riendo, setas, cráneos, iconografía budista, y los complejos sexuales de la cultura otaku.

TAKASHI MURAKAMI. And then Black (2006)
TAKASHI MURAKAMI. And then Ichimatsu Pattern (2006)
TAKASHI MURAKAMI. And then (2006)
A partir de 1993 Murakami empieza a realizar esculturas inspiradas en la cultura popular japonesa. El universo de los cómics en el mundo preferente del artista que reelabora en sus cuadros y en sus esculturas imágenes de Manga y Anime. Personajes de la fisionomía híbrida entre alienos y dibujos animados, colores y formas nacidos de un mundo completamente inventado. En los años 90 se crea la Hiropon Factory del ejemplo de la célebre “factoría” de Andy Warhol, y será el centro de investigación y experimentación del artista, donde él realizará sus obras y que será además un observatorio y laboratorio para jóvenes del arte contemporáneo japonés. En los últimos años el trabajo de Murakami se ha mezclado con diferentes ámbitos del arte, particularmente significativas las colaboraciones con el estilista Issey Miyake, la casa de automóviles Nissan, y la marca Louis Vuitton.
Murakami ha expuesto su obra en diferentes galerías y museos japoneses y en muchas exposiciones y manifestaciones internacionales entre las que se encuentran la Bienal de Venecia (de 1995 a 2003), el Museum of Modern Art de San Francisco (1999), el PS1 de New York (2000), el Palais de Tokio en París (2005). Ha expuesto además en exposiciones monográficas personales en el Walker Art Center de Minneapolis (2001), en la Fundación Cartier de París (2002), en el Museum of Contemporany Art de Tokio (2001), en el Museum of Fine Arts de Boston (2001), en el MOCA (2007) o en el Museo Guggenheim de Bilbao (2009).

TAKASHI MURAKAMI. Daruma (2008)
TAKASHI MURAKAMI. Flower (Superflat) (2004)
TAKASHI MURAKAMI. Flower Ball (2007)
EL CONCEPTO DE “FACTORY”: KAIKAI KIKI
Warhol se hizo famoso por su uso de técnicas de serigrafía de modo que sus pinturas podían producirse a un ritmo sin precedentes y a manos de otra persona que no fuera el propio artista. Este enfoque provocador se materializó en lo que él denominó “The Factory”, un estudio de puertas abiertas y un avisero de creatividad, así como de decadencia.
Kaikai Kiki, la empresa que Murakami estableció en 2001 cuando comenzó a aumentar la demanda de sus obras, se parece mucho más a una fábrica de lo que nunca se asemejó el extraordinario estudio de Warhol, ya que da empleo en sus tres sedes (dos en las cercanías de Tokio y una en Nueva York) a más de cien personas, cada una con responsabilidades independientes en lo que respecta a la creación de obras de arte, animación y comercialización, posterior distribución, exhibición y promoción, así como en el apoyo a nuevos talentos artísticos. Su página en internet es muy similar a la de una empresa, con las diversas actividades comerciales descritas en claros términos económicos: “Kaikai Kiki es la primera empresa japonesa que mira al futuro para desarrollar y promover obras de arte contemporáneo modernas”.

TAKASHI MURAKAMI. Tan Tan Bo (2003)
Al igual que Warhol, Murakami siempre da comienzo a sus obras, al ocuparse de los primeros bocetos para después escanearlos y desarrollarlos mediante software. Sin embargo, el detalle minucioso y el laborioso proceso de pintar los trabajos y de realizar las esculturas se los confía a otros empleados de la empresa. Antes de que las obras salgan del estudio, siempre las firma Murakami en persona. La importancia de Warhol para Murakami reside en que, tanto en el nivel formal como en el moral, le mostró a Murakami un amplio abanico de posibilidades: “Warhol estableció las bases de un mundo artístico donde los artistas como Yoshitomo Nara y yo, armados con la cultura contemporánea japonesa, o incluso aquellos que están en el centro de ese mundo, como Jeff Koons y Damien Hirst, pueden libremente ascender, y subir y bajar sin restricciones la escala social. He denominado a esta característica única el “Superflat”, como eslogan de una teoría que espero suceda al Pop”.

TAKASHI MURAKAMI. Kaikai Kiki News 2
TAKASHI MURAKAMI. Red Rope (2001)
TAKASHI MURAKAMI. Reversed double Helix Mega Power (2006)
TAKASHI MURAKAMI. Kaikai with Moss (2004)
TAKASHI MURAKAMI. If I only could do this (2002)

SUPERFLAT: LA TEORÍA ARTÍSTICA
El Superflat (superplano) es el paraguas bajo el cual se pueden agrupar todas las actividades de Murakami. Esta idea artística recuerda la falta de profundidad emotiva de la sociedad japonesa contemporánea y reclama el “plano” como valor autóctono, derivado de la pintura japonesa tradicional, del mundo de los cómics y de los dibujos animados. Para comprender la teoría en profundidad es esencial asimilar la idea de Murakami de que en Japón la idea de cultura alta o Popular nunca existió de la misma manera que en Occidente. Con esto en mente, Murakami pone a prueba a su público occidental.
Sus esculturas en miniatura son un ejemplo claro. Estos grupos de obras recuerdan las figuras de acción fabricadas a raíz de los éxitos de taquilla de Hollywood, juguetes coleccionables que representan a todos los personajes clave de la película. La serie de películas de Star Wars sacó jugo a este campo con profundidad pasmosa, por lo que no puede sorprendernos que Murakami haya mencionado al director y productor de estas cintas, George Lucas, como una de sus más importantes influencias. La colección de miniaturas de Murakami, de las cuales ya lleva fabricadas varias series, son recopilaciones de sus principales personajes.
De modo que, si bien el proyecto de Murakami se denomina Superflat, se trata de una reflexión fascinante y ricamente multidimensional sobre las tensiones en los intercambios culturales entre Japón y Norteamérica. Como comenta el teórico Hiroki Azuma: “La cultura otaku es el resultado de la japonización de la cultura Pop norteamericana. Sin embargo, Murakami aquí tiene la intención de retrotraerla a sus orígenes, o sea, reamericanizar la cultura otaku, reamericanizar la cultura norteamericana japonizada. Superflat no es un sucesor auténtico del “Pop” sino su hijo ilegítimo y falso, mezclado e híbrido.

TAKASHI MURAKAMI. Hoyoyo (2007)
TAKASHI MURAKAMI. Jellyfish (2003)
TAKASHI MURAKAMI. Melting DOB e (2007)
TAKASHI MURAKAMI. Planet 66 (2007)
TAKASHI MURAKAMI. Posi Mushroom (2007)

MÚLTIPLES DE ESCULTURA
La colección de múltiples de Murakami, de las cuales ya lleva fabricada varias series, son recopilaciones de sus principales personajes. Los dos niños pequeños que le dieron a la empresa de Murakami, el ultra kawaii Kai Kai y Kiki -de tres ojos y dientes de perro- se erigen como una de las flores sonrientes de la marca comercial Murakami. Hyakume (“cien ojos”), oval y basado en parte en un personaje manga, pero que también recuerda a Buda, pertenece a los hongos estilizados de Murakami. Y, al igual que en las serigrafías, Mr. Dob aparece en una variedad de aspectos, desde angelical a demoniaco.
Además, existen también recreaciones de miniaturas de dos de las primeras esculturas de Murakami, Miss Ko2 e Hiropon. Esta última es una controvertida escultura que Murakami realizó en 1997 donde representa a una mujer desnuda, con los estereotípicos ojos enormes y la sonrisa de personaje manga que lanza por sus pechos un torrente de leche que corre detrás de ella para formar una soga pasa saltar. Muy inteligentemente Murakami ha llamado a estas colecciones de figuras “Museos”, presentándola en diferentes exposiciones en los principales museos internacionales. Admiradores de todo el mundo colecciona de forma fanática las figuras de acción y con especial voracidad en Japón.
YOSHITOMO NARA. Little Wanderer (2010)
YOSHITOMO NARA. My sweet dog y Gummy Girl (2010)
YOSHITOMO NARA. Pup Cup (2010)
TAKASHI MURAKAMI.Superflat Museum (2003)
TAKASHI MURAKAMI.Superflat Museum (2003)
TAKASHI MURAKAMI.Superflat Museum (2004)

AYA TAKANO (Saitama, 1976)
Es protegida de Murakami y una de las artistas más brillantes de esa Factory del siglo XXI que es Kaikai Kiki. Las muchachas en kimono de grandes ojos y gráciles cuerpos evocan tanto las estampas japonesas como las chicas emancipadas que pululan por las calles de Tokio.
“Escenas orgiásticas con adolescentes medio desnudas que devoran tentáculos de pulpos o jabalíes bajo la luz festiva de los farolillos; visiones nocturnas de un Tokio bañado por una iluminación que le confiere un aspecto onírico; escenas de intimidad erótica entre dos muchachas en kimono, con las mejillas sonrojadas por una primera emoción amorosa: Aya Takano crea un mundo, que es el suyo, donde confluyen los aspectos más contradictorios y fascinantes del Japón contemporáneo”.

AYA TAKANO. Convenience Store (2006)
AYA TAKANO. Toward Eternity (2006)

MR. (MASAKATSU IWAMOTO) (Cupa, 1969)
Es un artista que forma parte de la Factory Kaikai Kiki de Takashi Murakami. Su nombre proviene de una estrella del béisbol también con el alias míster. Es un artista profundamente influenciado por la cultura otaku nipona, con personajes cute dentro de los típicos contextos de la industria del Manga. Su trabajo incluye desde dibujos a esculturas a gran escala.
En sus trabajos retrata bonitos personajes de dibujos animados en un contexto sexual, donde Mr. abarca la fascinación para la “lolita”, las jóvenes que encontramos frecuentemente con la industria del cómic japonés. Se trata por n lado de una denuncia y por otro de una exploración sobre esta cultura.
MR. It´s still a young team (2008)
MR. Starting over (2008)

CHIHO AOSHIMA (Tokio, 1974)
Imagina un mundo onírico y sorprendente en sus dibujos de colores ácidos generados por ordenador. Su universo se mueve a menudo entre la pesadilla y la angustia, y sus personajes dudan entre la magia y la violencia de la realidad.
Su obra está incluida dentro del movimiento Superflat, y se caracteriza por estar realidad con medios digitales y a menudo impresa en grandes superficies, que cubren del suelo al techo los espacios donde expone. Mezcla en ella el terror y la seducción, lo kawaii con la violencia explícita pero delicada, las ciudades con los elementos de la estética japonesa tradicional, los paisajes de colores oníricos con fantasmas y demonios de pesadilla.

CHIHO AOSHIMA. Fountain of Skull (2008)
CHIHO AOSHIMA. Japanese Apricot 3 (2008)
CHIHO AOSHIMA. Yuyake-chan Miss Sunset (2006)

CHINATSU BAN (Aichi Prefecture, 1973)
Comenzó haciendo arte en 1997, desarrollando una estética muy singular, haciendo pinturas acrílicas y dibujos de elefantes que flotan sobre el fondo blanco de papel arroz o frente a una serie de líneas de color pastel. La primera escultura formal de Ban nos recuerda a estas pinturas y dibujos de coloridos elefantes con grandes ojos, redondeados cuerpos, trompas pequeñas y sin boca. Sus elefantes tienen una relación talismánica con su propia infancia. Esto nos remite a una pequeña figurilla que una vez compró, el cual se convirtió en amuleto y símbolo de paz y protección.
La lindura es una obsesión para Ban y su obra está cargada con un palpante tinte psicológico. La palabra japonesa para lindo o cute es “kawaii”. Más que un simple adjetivo, la palabra ha tomado una tremenda resonancia cultural en la década reciente.

CHINATSU BAN. Sozo pregnant, Sozo giving birth (2007)
CHINATSU BAN. The Elephant, The Twins & The Cell Division (2009)
CHINATSU BAN. When I was born, I found myself in the water (2009)

AKANE KOIDE (Tokio, 1991)
En 2006 Akane Koide fue descubierta en GEISAI (es una feria de arte creada en el año 2002 por Murakami) por Kaikai Kiki con tan solo 15 años. Las temáticas de sus trabajos como “Wrist list” (Raja de muñeca) o “The distance between me and my cell pone” (La distancia que mantengo con mi móvil) o hablan de los juicios y de los problemas de los jóvenes estudiantes de instituto expresadas por una joven estudiante de instituto, la misma Koide.
AKANE KOIDE. This migh be what the world is like (2007)
AKANE KOIDE. Wrist list (2007)

MAHOMI KUNIKATA (Kanagawa, 1979)
Fuertemente influenciado por la cultura otaku, y en particular modo por el Manga sexualmente explícito, el trabajo de Kunikata adopta las convenciones del género para explorar y comunicar los problemas de abandono, el masoquismo y la depresión. El resultado es una obra cruda, potente e innovadora.
Fue introducida en el mundo del arte contemporáneo gracias a Kaikai Kiki, factoría artística de Murakami, y en los eventos de GEISAI. Su obra ha sido presentada también en varias exposiciones colectivas a nivel internacional, incluyendo Little Boy en la Sociedad Japonesa en Nueva York y J´en Rêve en la Fondation Cartier pour l´art Contemporain de París

MAHOMI KUNIKATA. Sounds of body and mind freezing (2006)
MAHOMI KUNIKATA. The stones of UFO shrine (2006)


Quería comentaros otra cosa que nada tiene que ver con la exposición:
Entre los días 10 y 13 de noviembre se va a celebrar Centro Cultural Delibes Miguel de Valladolid la X edición de la Bienal AR&PA, con múltiples actividades en torno al lema “Sociedad y Patrimonio”.
Éste es un año muy especial para la Bienal de la Restauración y Gestión del Patrimonio, AR&PA, pues en él abordará su décima cita como marco de encuentro y foro de debate de profesionales, empresas e instituciones dedicadas a la conservación, restauración y gestión del Patrimonio Cultural. Diez ediciones que aportan la madurez necesaria para erigirse en cónclave de referencia del sector patrimonial en Europa, tal como sanciona el apoyo de la UNESCO y la Comisión Europea.
Entre los días 10 y 13 de noviembre de 2016 las puertas y ventanas del Patrimonio Cultural se volverán a abrir a los profesionales, especialistas, custodios y amantes de nuestro acervo cultural, de nuevo acogidos por el magnífico edificio del Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid. El tema que abriga la Bienal es “Sociedad y Patrimonio”, indisoluble binomio consolidado como eje conceptual en la pasada edición de 2014.

Así, los primeros acordes de la Bienal AR&PA 2016 sonaron de la mano del Director General de Patrimonio Cultural de la Junta de Castilla y León en el marco del Seminario Internacional celebrado durante la tercera Feira: Patrimonio.pt, reunión hermana que se desarrolló en el Monasterio de Santa Clara-a-Velha de Coimbra, entre el 9 y el 11 de octubre pasado.
Seis siguen siendo los pilares sobre los que asienta la estructura de la Bienal. En primer lugar la propia Feria, que traduce la implicación con el Patrimonio Cultural en los apartados de Empleo, Instituciones, Negocio y Museos. La completan el Forum, Innovación, el Congreso Internacional, y el reconocimiento que suponen los Premios. Y, por supuesto, AR&PA en Sociedad, con la traducción para los más pequeños “en Familia”, la eliminación de barreras como ejemplo “para Todos”, la voz de las entidades locales y del asociacionismo en “Iniciativas”, y el traslado al territorio que supone “Abierto por AR&PA”. En la presente edición pondremos el acento en acercar las inquietudes a los saberes y soluciones, fomentando un contacto aún más personal si cabe entre profesionales, instituciones y gestores.
El último día, entre 11:00-12:30 h, se celebrará un encuentro de blogueros titulado “P@trimonio en Red”, en el que he tenido la fortuna de ser invitado. Os ánimo a asistir pues compartiré espacio junto a algunos de los grandes de la blogosfera patrimonial: José Luis Hoyas Díez, Stella Maldonado, Mónica Castro de Lera, Libe Fdez Torróntegui, Oliva Cachafeiro, Sira Gadea, Ana Manzano Peral, Enrique Garcés, J. M. Travieso, Luis José Cuadrado Gutiérrez, Jesus Anta Roca, Diego Sobrino López, Consuelo Escribano…


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